La lista está acá.

La historia se centra en un grupo de soldados judíos, quienes liderados por el teniente Aldo “el Apache” Raine (Brad Pitt), llegan a Francia con el objetivo de matar nazis. Dejando docenas de alemanes en el camino, los rumores sobre este grupo (llamado “Bastardos sin gloria”) llegan a oídos del mismo Hitler, quien comienza a sentir la presión del bando de los aliados. A estos personajes se suma una joven francesa llamada Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), quien es dueña del cine donde se proyectará una película del director alemán Jospeh Goebbels, y al cual asistirían los altos mandos del gobierno nazi. Los “Bastardos” ven en esta situación una opción perfecta para acabar con la guerra, pero la seguridad del evento está a cargo del coronel Hans Landa (Christoph Waltz), un astuto y despiadado “cazador de judíos”.

La cinta tiene todos los elementos que caracterizan a los trabajos de Tarantino: un excelente diálogo, personajes llamativos, violencia, música de culto, y por supuesto, humor negro. El director no busca con esta película hacer una clase de historia, ni tampoco entregar lecciones de moral. Lo que él quiere es una cosa: entretener (y lo logra perfectamente). Las dos horas y media que dura pasan volando entre las conversaciones de los personajes y los tiroteos. Como es habitual en sus cintas, Tarantino mezcla diversos estilos cinematográficos, alcanzando un resultado muy particular. En la primera escena, por ejemplo, se puede notar perfectamente la influencia de Sergio Leone, y del género western en general, con la música de Ennio Morricone completando el ambiente.

También hay referencias al cine exploitation de los años 60 y 70, reflejado en los textos que utiliza la cinta para identificar a algún personaje -uno de los momentos más graciosos de la película es cuando presentan al personaje de Hugo Stiglitz (llamado así en honor al actor mexicano) con unas gigantescas letras de color amarillo que salen de la nada. Tarantino además recurre a un narrador que aparece en un par de ocasiones para explicar algunos puntos y hacer las escenas más dinámicas. La mezcla de estos elementos hace que la cinta tenga un ritmo muy fluido, y que uno esté con una sonrisa en la cara durante las dos horas. La música también es un factor importante, y sirve para resaltar ciertos momentos tensos o dramáticos. Los estilos son variados, teniendo desde guitarras eléctricas hasta orquestas.

El punto fuerte de la película es definitivamente Christoph Waltz, quien interpreta al coronel Hans Landa. Su personaje se podría resumir con las siguientes palabras: frío, calculador, desalmado, y por qué no decirlo, cínico. Lo curioso es que a pesar de estas características, tiene algo que lo hace muy llamativo, y que no nos hace odiarlo del todo. Si no fuese por este genial villano, la cinta no habría sido tan exitosa ni habría recibido tan buenas respuestas por parte de la crítica. Creo que una de mis escenas favoritas es la primera, cuando Landa va a una granja francesa en busca de la familia judía que vivía hace algún tiempo en el sector. Es en esos primeros minutos que nos damos cuenta de la presión sicológica que logra el personaje con el simple hecho de su presencia, y cómo a través de una conversación va atrapando poco a poco a quien lo escucha.

El resto de los actores no destaca tanto como Waltz, pero cumple con su objetivo. Brad Pitt logra un buen resultado como el teniente Raine, expeliendo “americanismo” por montones -basta notar su acento cuando intenta hablar en italiano, por ejemplo. Su personaje actúa movido por la venganza, y muchas de sus acciones carecen de sutileza o planificación; Raine prefiere recurrir al instinto. Diane Kruger también cumple con su trabajo, interpretando a Bridget von Hammersmark, una actriz alemana que apoya al bando de los aliados. Más allá de su belleza, Kruger tiene un buen trabajo en la cinta, y no pasa desapercibida. Creo que el único punto bajo es Eli Roth. Si bien su personaje es uno de los más memorables, la actuación no logra convencer y sus intervenciones parecen fuera de lugar la mayoría de las veces.

Además de la historia de los “Bastardos” está la de Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una francesa que vo cómo su familia era asesinada por las órdenes de Hans Landa. Además de soportar a Landa como jefe de seguridad del evento que se realizará en su cine, Dreyfus es “hostigada” por un joven alemán llamado Fredrick Zoller (Daniel Brühl), héroe de guerra y protagonista de la cinta que será mostrada en el evento. A lo largo de la película la química entre ambos es nula, pero en las últimas escenas se produce un interesante giro en los sentimientos de la francesa. Además de esto, Mike Myers tiene un pequeño papel en la cinta, interpretando al general Ed Fenech. La escena donde aparece es prácticamente de relleno, y no aporta demasiado a la historia. Pero el sólo hecho de escucharlo provoca risa (no podía evitar pensar en el Dr. Evil cuando Myers hablaba).

Inglourious Basterds también tiene gore, y del bueno. Aunque se utiliza solo en un par de escenas, la calidad del gore es digna de mención. Puede que Eli Roth no sepa actuar, pero hay que admitir que es muy bueno matando nazis con un bat de béisbol. Es difícil no reaccionar ante la escena en que hace esto. Si bien la cámara está lejos de la acción, se nota perfectamente cuando el cráneo recibe los golpes.

En definitiva, Inglourious Basterds es una cinta que nos mantiene entretenidos durante todas las escenas. Sus diálogos, actuaciones, historia y música se combinan muy bien para crear un efecto característico de las películas de Tarantino. No es el mejor del trabajo del director, pero hay que verla sí o sí.

Christoph Waltz en una escena de Inglourious Basterds.

]]> http://ngbello.wordpress.com/2009/10/09/inglourious-basterds-2009/feed/ 0 ngbello inglourious-basterds basterds_escena http://ngbello.wordpress.com/2009/09/26/in-bruges-2008/ http://ngbello.wordpress.com/2009/09/26/in-bruges-2008/#comments Sat, 26 Sep 2009 18:57:43 +0000 ngbello http://ngbello.wordpress.com/?p=663 ]]> Martin McDonagh es un director que promete mucho. No le bastó con ganar un premio Óscar por su cortometraje Six Shooter (2004), sino que además dirigió una de las mejores películas del año pasado. In Bruges (conocida en español como Escondidos en Brujas) es una cinta que se basa en un buen guión y grandes actuaciones para poder transmitir las emociones de sus personajes y lograr que estos generen una  conexión especial con los espectadores. Con un poco de humor negro, diálogos interesantes y una historia bien estructurada, la película logra destacar del promedio y se eleva junto a otros títulos del 2008 que nos hacen pensar que el cine no está tan mal como uno creía.

Los protagonistas son Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson), dos asesinos a sueldo que deben huir a Bélgica -específicamente a la ciudad de Brujas- mientras esperan las instrucciones de su jefe, Harry (Ralph Fiennes). Las personalidades de ambos personajes no pueden ser más disímiles, y esto se ve reflejado en su percepción de la misma ciudad, la cual con su arquitectura gótica adquiere  protagonismo con cada minuto que pasa. Las calles y edificios históricos de Brujas sirven como escenario para las conversaciones que estos dos sicarios tienen acerca de la vida, la muerte y la redención.

McDonagh no sólo dirigió la película, sino que además escribió el guión de la misma. Influenciado por el trabajo de Quentin Tarantino -lo cual se puede notar en las conversaciones que tienen los personajes y el humor negro que rodea a la cinta-, el director británico logra narrar la historia de una manera muy fluida, aprovechando cada escena para ir modelándola. Los elementos que conforman la película se van relacionando unos con otros, uniendo a diversos personajes o momentos de la trama. Todo esto es acompañado por la genial música de Carter Burwell, quien logra resaltar los sentimientos de tristeza y soledad de los actores. Sus melodías en piano son perfectas como telón de fondo para las caminatas que estos tienen por la ciudad.

Si tuviera que elegir lo mejor de la película, serían los personajes. Es notable el trabajo de Colin Farrell y Brendan Gleeson interpretando a sus respectivos personajes. La credibilidad de sus actuaciones nos hacen ver a Ray y Ken no sólo como unos simples asesinos a sueldo, sino como verdaderas personas, con sus virtudes y defectos. En este sentido el guión ayuda bastante, ya que consiste en un gran estudio de sus personalidades, sin limitarse a mostrar aspectos superficiales o caricaturas. Las diferencias entre ambos personajes tienen mucho que ver con su experiencia, con las cosas que han vivido. Esto obviamente influye la manera en que ven la vida, y determina cómo se desenvuelven en el mundo.

El personaje de Colin Farrell, por ejemplo, tras experimentar un traumático accidente, ve todo de una manera pesimista y poco esperanzadora. A lo largo de la película se le ve cargando con una pesada piedra, la cual lo lleva incluso a pensar en el suicidio. A pesar de ser un asesino a sueldo, Ray queda muy afectado tras matar a un niño por accidente, y sólo piensa en la manera de pagar por su pecado. A su sentimiento de culpa se suma el miedo al posible castigo que recibirá por su acto. En una escena los personajes examinan El juicio final, un tríptico del pintor Hieronymus Bosch (“el Bosco”) donde se encuentra representada la segunda venida de Jesucristo a la tierra y el juicio que realiza a los seres humanos dependiendo de sus actos. La obra del pintor se transforma en un tema recurrente de la cinta, otorgándole además una brillante estética a sus escenas finales.

Ken, por su parte, es un hombre que se dedica a este tipo de trabajo como manera de agradecer a su jefe. Sin familia ni nada que perder, el personaje de Brendan Gleeson es un ser solitario que deambula por la vida tratando de aferrarse a algo que le de cierto sentido. Ken se ve a si mismo como alguien que no puede dar vuelta atrás, y que está atrapado en el camino que escogió. Cuando descubre el verdadero motivo por el cual fueron enviados a Brujas, decide hacer una última buena acción, tratando de salvar la vida de su compañero y dándole una segunda oportunidad. El tercer personaje más importante de la película es Harry, el jefe de los sicarios. Vengativo, y con una particular manera de ver la justicia, decide matar a Ray como castigo por lo que hizo. Harry considera que existe una especie de código moral que las personas deben seguir, el cual no admite excepciones -aunque esto tendrá sus efectos en la última escena de la película.

In Bruges no es buena sólo por sus elementos técnicos. A las actuaciones y guión se suman los temas que trata la historia y cómo estos se complementan. La película sirve como base para la carrera de Martin McDonagh, quien gracias a este trabajo se ha ganado la atención de aquellos que disfrutamos con el cine.

Brendan Gleeson (fondo) y Colin Farrell en una escena de In Bruges.

]]> http://ngbello.wordpress.com/2009/09/26/in-bruges-2008/feed/ 0 ngbello inbruges inbruges_escena http://ngbello.wordpress.com/2009/09/09/boogie-nights-1997/ http://ngbello.wordpress.com/2009/09/09/boogie-nights-1997/#comments Wed, 09 Sep 2009 18:22:02 +0000 ngbello http://ngbello.wordpress.com/?p=628 ]]> Paul Thomas Anderson logra en Boogie Nights un increíble equilibrio entre comedia y drama. Los elementos se van intercalando de una manera muy natural, y los minutos pasan volando una vez que comienza la película. Al saber que la historia gira en torno al mundo de la pornografía, lo primero que nos imaginamos es una comedia básica, sin más pretensiones que hacernos pasar un buen rato. Pero la película logra mucho más que eso, debido principalmente a las historias de sus personajes y a los actores que los interpretan. Boogie Nights se encuentra entre aquellas cintas que a pesar de su corta edad se han ganado un lugar especial en la industria cinematográfica.

La película es protagonizada por Eddie Adams (Mark Wahlberg), quien trabaja como mesero en un club nocturno de Los Ángeles. Allí conoce a Jack Horner (Burt Reynolds), un director de películas pornográficas, quien le ofrece actuar en ellas debido a su gran “talento”. Entre los demás actores que participan en las películas de Horner se encuentran Amber Waves (Julianne Moore), Rollergirl (Heather Graham), Buck Swope (Don Cheadle) y Reed Rothchild (John C. Reily). Adoptando el nombre “Dirk Diggler”, Eddie se convierte rápidamente en una celebridad de la industria pornográfica. Pero no todo será tan fácil, ya que la fama, envidia y drogas irán poco a poco dañando su carrera.

La cinta sigue la estructura lógica de este tipo de historias: un joven con un “talento especial” es descubierto por alguien que lo ayuda a entrar y desenvolverse en algún área determinada, logra rápidamente la fama y el reconocimiento, pero los humos se le suben a la cabeza y debido a otros problemas termina tocando fondo. No obstante, lo que hace realmente especial a Boogie Nights es su atmósfera y la manera en que la historia es contada. Desde la primera escena el director nos deja claro que esto tiene lugar en Los Ángeles durante finales de la década de los 70 (la ropa y la música es en este sentido fundamental). A lo largo de la película vemos pequeños guiños a elementos de dicha época, los cuales van formando este ambiente que caracteriza a la cinta; y es que no es lo mismo ver esta película sin los afros ni los pantalones pata-de-elefante.

El guión escrito por Anderson logra complementar la comedia y el drama de manera muy natural, intercalándolos. El sólo hecho de tocar temáticas de contenido sexual es difícil en una película que busca ser tomada en serio, ya que el menor desliz puede producir un resultado opuesto al que buscaba el director. Paul Thomas Anderson sabe transmitir a la audiencia el mensaje de cada escena, distinguiendo en ellas el ambiente en el que toman lugar. Pero esto no impide que elementos tan disímiles como la comedia y la violencia puedan mezclarse. Por ejemplo, en un momento de la película Dirk Diggler acompaña a dos amigos a la casa de un magnate para vender droga, pero las cosas se salen de control y todo termina en un enfrentamiento armado; el director logra que en ese momento de tensión las risas salgan casi naturalmente, a raíz de un simple gesto, o de lo absurdo de la situación.

Hay, además, algo bastante particular con los personajes. Si bien estos son presentados a través de meras caricaturas, lentamente van adoptando una personalidad mucho más seria y creíble, lo cual va acorde al tinte dramático de las escenas. De repente, aquel personaje que creíamos era sólo un extra, da a conocer algún hecho que le da mayor profundidad. Rollergirl, por ejemplo, es una joven que actúa en películas pornográficas y que se caracteriza por andar siempre en patines. Más tarde en la película vemos cómo el hecho de abandonar su colegio es un reflejo del gran salto que da en su vida, dejando la adolescencia de lado y pasando de lleno a la adultez. Esto, a mi parecer, es un tema muy importante dentro de la película, ya que el protagonista también lo experimenta. El dejar de lado a sus familias a una temprana edad cala hondo en estos personajes, quienes son mucho más vulnerables a las dificultades de la vida.

Dicho aspecto se puede notar en la relación de estos dos personajes con el interpretado por Julianne Moore. Tanto Dirk Diggler como Rollergirl la ven como una verdadera madre, y esta a su vez los trata como sus hijos. Ambos llenan un vacío de sus vidas con la figura del otro, actuando como compañeros de la misma miseria. Las relaciones pasan a ser, entonces, otro de los elementos centrales de Boogie Nights. La película da gran importancia al cariño y confianza que los personajes tienen con relación a otros; las alianzas, apadrinamientos, relaciones de amistad y amorosas, son frecuentes en la historia. Hay además otros temas, como el costo de la fama y la dificultad que esta significa para alguien que no está acostumbrado a ella.

Boogie Nights es una película dinámica que no se hace para nada larga, a pesar de durar cerca de dos horas y media. El talento de Paul Thomas Anderson consiste en lograr que quien vea la película se pueda sentir interesado por ella y por sus personajes, transportándolo a través de la historia de Dirk Diggler. Si bien no es su mejor trabajo, es una gran cinta que cumple con creces su cometido.

Mark Wahlberg (izq) y John C. Reilly (centro) en una escena de Boogie Nights.

]]> http://ngbello.wordpress.com/2009/09/09/boogie-nights-1997/feed/ 0 ngbello boogienights-poster boogie http://ngbello.wordpress.com/2009/09/05/unforgiven-1992/ http://ngbello.wordpress.com/2009/09/05/unforgiven-1992/#comments Sat, 05 Sep 2009 18:52:20 +0000 ngbello http://ngbello.wordpress.com/?p=609 ]]> Da gusto ver las películas de Clint Eastwood. Con años de experiencia en el cine y un talento casi natural, ha logrado triunfar tanto como actor y director. En Unforgiven Eastwood regresa al western, género que lo llevó a la fama y con el cual ha sido desde siempre identificado. Pero además de los caballos y los enfrentamientos a pistola, la película nos muestra la historia de un hombre que vive atormentado por los crímenes que ha cometido a lo largo de su vida, y cómo intenta alejarse de su pasado. Unforgiven ganó cuatro premios Óscar, incluyendo mejor película y mejor director.

El protagonista de la historia es Bill Munny (Clint Eastwood), un granjero que durante su juventud había cometido atroces crímenes, incluidos varios asesinatos. El bandido pudo cambiar su manera de actuar gracias a la ayuda de su esposa, pero esta murió a una temprana edad. Debido a problemas de dinero, Munny y su amigo Ned Logan (Morgan Freeman) deciden ayudar a un joven apodado Schofield Kid (Jaimz Woolvett) para matar a dos vaqueros a cambio de una recompensa. Sin embargo,el pueblo en el que se encuentran los sujetos está a cargo del sheriff Little Bill Daggett (Gene Hackman), quien hará lo que sea por mantener la calma en el lugar.

Con excelentes actuaciones de Clint Eastwood y Morgan Freeman, la película muestra cómo los crímenes cometidos por los personajes de ambos afectaron sus vidas. Han pasado varios años desde que ocurrieron, pero estos fantasmas no los han abandonado jamás. Aunque han optado por una vida más tranquila y alejada de los delitos, basta la presencia de algún elemento que los transporte a sus años de juventud para que recuerden lo que hicieron. Es debido a problemas económicos que los personajes deciden volver a sus inicios, trabajando como caza-recompensas. Pero no todo es tan fácil, ya que sus años de experiencia los hacen ver a las demás personas más que como simples objetivos.

Unforgiven no opta por la simple diferenciación entre lo bueno y lo malo, sino que nos enseña que en la vida las cosas poseen distintos matices. Es difícil apoyar a uno de los bandos que se enfrentan en la película, ya que la ambigüedad moral de estos nos confunde. Si bien Munny había sido un delincuente durante su juventud, uno nota inmediatamente que es otra persona, que ha recapacitado. Al otro lado se encuentra el sheriff, que utiliza cualquier medio con tal de mantener el orden en el pueblo, rozando los límites de lo moralmente correcto. Es en este ambiente de tensión y violencia que sólo la fuerza puede imponerse, ya que la autoridad emana de esta. La justicia, en ese sentido, sólo puede ser realizada por la propias manos, dada la incompetencia de los alguaciles.

La película además habla de la vida, y de cómo la vemos dependiendo de nuestra edad. Munny, quien dejó de ser joven hace varios años, dejó de lado los delitos y se concentró en el cuidado de sus hijos. La figura de su esposa se encuentra constantemente en su cabeza, y le sirve como una especie de guía moral al momento de tomar decisiones. El sheriff, interpretado por Gene Hackman, también refleja este deseo por alejarse de los peligros y buscar una vida más tranquila. Por el contrario, Schofield Kid es un claro ejemplo de la prepotencia y falta de cautela de los jóvenes, quienes buscan la fama a través de cualquier medio. La manera en que cada personaje se enfrenta a una determinada situación obedece a estas características.

Es necesario aclarar que la película no termina con una victoria de los “buenos”. Dada la ambigüedad moral de los personajes es difícil hablar de un bando bueno y otro malo. Lo que ocurre al final es una confirmación de cómo las cosas que uno hace en su vida nos afectan de tal manera que es casi imposible separarse de ellas. Ante una situación de intensa rabia, Munny vuelve a ser aquella persona de la cual había estado escapando durante tantos años. Bastó un breve instante para que el granjero pasara a ser el desalmado asesino de su juventud.

Morgan Freeman y Clint Eastwood en una escena de Unforgiven.

]]> http://ngbello.wordpress.com/2009/09/05/unforgiven-1992/feed/ 0 ngbello unforgiven-poster unforgiven-cap http://ngbello.wordpress.com/2009/08/28/wikipedia-hoax-ii/ http://ngbello.wordpress.com/2009/08/28/wikipedia-hoax-ii/#comments Fri, 28 Aug 2009 18:15:34 +0000 ngbello http://ngbello.wordpress.com/?p=604 ]]> Por fin. Otro ejemplo de los intentos de algunos usuarios para ingresar información falsa a Wikipedia. El artículo creado se llamaba “Chile`s Next Top Crew Model”, y ya fue borrado. Afortunadamente pude rescatar algunas frases notables que estaban en él:

Chile`s Next Top Crew Model. “El Siguiente Supermodelo de la pandilla de Chile” es un programa buscatalentos en el ámbito del modelaje chileno, fué creado por Juan Pablo Abadia, empresario colombiano que trajo la idea de cambiar el estilo de la moda de Chile, el cual no estaba a niveles internacionales, basándose en el programa de televisión norteamericano America’s Next Top Model, patrocinado por microempresarios y personajes de la moda chilenos. Como productores generales del programa estaban la diseñadora Pilar Zapata y Marie Rose McGueal. El programa comenzó el 20 de Noviembre de 2007.

Así es, porque los pandilleros también pueden ser modelos y demostrar su talento. Pero no cualquiera podía entrar al programa:

Los participantes que eran seleccionados debían cumplir una serie de requisitos para buscar el perfil adecuado al programa: belleza, simpatía, encanto, atractivo, empatía, dedicado y sobre todo ser sociable y comprometido con el tema. En su primera temporada los participantes eran todos de la Región Metropolitana de Chile. Posteriormente desde su segunda temporada de todo Chile.

Lo más freak de este tipo de artículos es la dedicación que los autores emplean para escribirlos. Esto es importante, ya que mientras más creíble sea, más tiempo va a estar en línea. En este, por ejemplo, se indicaba quienes eran los participantes del reality, su edad y residencia.

La película es protagonizada por Jerry Lundergaard (William H. Macy), un hombre  de Minneapolis que agobiado por sus problemas monetarios contacta a dos sujetos -Carl (Steve Buscemi) y Gaear (Peter Stormare)- para que secuestren a su esposa. El objetivo del plan es que su suegro, Wade (Harve Presnell), pague el rescate, el cual será dividido entre los involucrados, permitiendo que Jerry resuelva sus problemas. Pero como ya se dijo, nada en las películas de los hermanos Coen es tan sencillo como parece. La ley de Murphy sale a relucir en sus trabajos a raíz de los errores y malentendidos que se producen en la historia. El plan se escapa de las manos de Jerry, y para complicar aún más las cosas, aparece una policía llamada Marge Gunderson (Frances McDormand) quien comienza a investigar el caso.

Es imposible no sentir lástima por el personaje de William H. Macy. Si bien su plan no era lo que podríamos decir “moralmente correcto”, parecía bien pensado, y servía como una manera de vengarse contra su suegro. Pero gracias a Fargo nos damos cuenta que en las películas no todo puede ser perfecto ni alegre para los protagonistas. A medida que avanza la cinta los problemas de Jerry aumentan, y lo conducen a una calle sin salida. La actuación de Macy es notable al momento de transmitir la impotencia de su personaje cuando descubre que otra cosa ha salido mal, o cuando estalla en sus ataques de ira. Su trabajo lo hizo merecedor de una nominación al premio Óscar como mejor actor secundario, pero no ganó.

Por el otro lado se encuentran Steve Buscemi y Peter Stormare, quienes encarnan a los secuestradores. La relación entre ambos aporta la cuota de humor a la película, ya que son dos personajes totalmente distintos. Una de mis escenas favoritas es esa en que ambos van en un auto, tras varias horas de viaje, y el personaje de Buscemi comienza a discutir con el de Stormare debido a que este no había hablado en todo el trayecto. La magia de Fargo radica en esos pequeños momentos, que si bien no contribuyen demasiado a la trama de la película, otorgan una cuota de realidad a quienes la protagonizan. Es por esa razón que los personajes de los hermanos Coen logran ser recordados.

El guión no se limita a estos enredos y problemas, sino que toca además otros temas. El personaje de Frances McDormand pasa a tener gran protagonismo, a pesar de ser ajena al lío central de la película. Los hermanos Coen pasan a una historia a otra, mostrando por una parte  a Jerry Lundergaard lidiando con las consecuencias de sus mentiras, y a Marge Gunderson intentando llevar una vida de policía y esposa al mismo tiempo. Puede parecer raro el contrastar vivencias tan distintas, pero se logra un cierto equilibrio entre ambas; es interesante como en medio de estos enredos de dinero los directores muestran el dilema de Gunderson, los cuales parecen pertenecer a una película totalmente distinta.

Fargo es, en definitiva, una película muy interesante, que logra transmitir humor negro a través de situaciones poco usuales. Los hermanos Coen crearon personajes muy particulares, en torno a los cuales giran los problemas y malentendidos que dan forma a la película. Si bien no es una obra maestra, vale la pena echarle un vistazo.

Ya sea conversando con sacerdotes, políticos, teólogos o creyentes, Bill Maher va mostrando al espectador los argumentos que esas personas utilizan para explicar sus respectivas religiones. Si bien la mayoría de las ideas son totalmente ridículas y escapan de toda lógica, hay algunos casos que se salvan. Es interesante, por ejemplo, el testimonio de un sacerdote católico que critica los lujos del Vaticano y la excesiva importancia que se le da a los santos en esa religión -llegando al punto en que se deja de lado al que se supone es el centro de su pensamiento: Jesús. Otra entrevista interesante fue la que le hizo a un sacerdote que se dedicaba a la astronomía, quien cuestionó a aquellos que toman las palabras de la Biblia de manera literal.

Pero esos son casos aislados, ya que el documental se basa fundamentalmente en aquellos comentarios que ridiculizan a las religiones. Basta con ver los afiches de la película para darse cuenta de lo que quiere lograr Religulous. Puede que a muchos creyentes les moleste, pero no se puede negar el aspecto cómico de algunas de las ideas. El director del documental, Larry Charles, estuvo a cargo de Borat, por lo que muchos de sus elementos se ven reflejados en esta cinta. Charles se basa principalmente en las entrevistas para provocar risa, eligiendo cuidadosamente aquellos contextos y frases que al ser mezclados producen el mejor resultado. También ocupa escenas de películas o imágenes de televisión para resaltar ciertas ideas.

Uno de los momentos que más me llamó la atención fue la entrevista a un predicador evangélico llamado José Luis de Jesús Miranda. No sólo asegura ser descendiente de Jesús de Nazaret, sino que además dice ser la segunda venida del hijo de Dios. Refiriéndose a si mismo como “Jesucristo Hombre”, tiene su propio movimiento, y lo que es peor, gente que cree en él. ¿Qué lleva a las personas a ver en alguien como él a un salvador? Es increíble el poder que otorga la ignorancia a quienes saben utilizarla.

El mensaje de Maher en los últimos minutos del documental es muy fuerte. Basándose en la idea que las religiones tienen acerca del apocalipsis, el comediante nos explica cómo por este tipo de creencias las personas han descuidado su propio mundo y las relaciones con sus semejantes.

C’era una volta il West

Jill McBain (Claudia Cardinale) llega desde Nueva Orleans a una granja ubicada en el desierto de Arizona, donde vive su prometido. Sin embargo, al llegar descubre que él, junto a sus tres hijos, fueron asesinados sin piedad. Las autoridades creen que el hecho fue obra de Cheyenne (Jason Robards), un conocido bandido de la zona. Pero el responsable del asesinato fue en realidad un pistolero llamado Frank (Henry Fonda), quien trabaja para un empresario ferroviario (Gabriele Ferzetti) que necesitaba deshacerse de la familia con el fin de construir su vía férrea. A estos personajes se une un anónimo pistolero apodado “Armónica” (Charles Bronson), por el instrumento que lleva consigo. El misterioso hombre va en búsqueda de Frank, pero no es hasta el final de la película que descubrimos la razón de esto.

Si pudiera describir la película en una sola palabra, sería “épica”. Desde el primer minuto nos damos cuenta que C’era una volta il West no busca limitarse dentro del género western, sino que llevarlo un paso más allá. Y es difícil, tomando en cuenta la obra maestra que fue Il buono, il brutto, il cattivo. Leone, al contar con un presupuesto mucho mayor, logra enseñar a los espectadores el universo en el cual tienen lugar sus historias. Ya sea a través de una toma panorámica al pueblo que sirve como escenario, o mostrando a un sinnúmero de trabajadores construyendo una vía férrea, la cinta nos transporta al lugar y época en que ocurren los sucesos. En ese sentido, la labor del director de fotografía Tonino Delli Colli es fundamental.

Los actores tampoco se quedan atrás. Henry Fonda había estado durante mucho tiempo en la mira de Leone, pero debido a problemas de presupuesto y de agenda no había podido trabajar juntos. En esta película Fonda interpreta a un ambicioso pistolero llamado Frank, quien busca lograr el éxito a través de cualquier medio. Esto no deja de ser irónico, tomando en cuenta que los personajes de dicho actor se caracterizaban por ser los héroes de sus películas, encarnando verdaderos ejemplos para quien los viera. Por el otro lado está Charles Bronson, quien interpreta al anónimo protagonista de la cinta. Siguiendo el espíritu de “el hombre sin nombre”, “Armónica” es un ser de pocas palabras, el cual se encuentra rodeado de un aura misteriosa.

El enfrentamiento final entre ambos personajes no sería lo mismo sin el aporte de Ennio Morricone. El compositor había trabajado con Sergio Leone en varias cintas, y esta no fue la excepción. Es increíble el resultado que logran juntos, el cual se convierte en una mezcla indivisible de sensaciones. La música de Morricone se convierte en el diálogo de estas películas, complementando la labor de los actores. Me ha llamado siempre la atención la manera en que los instrumentos musicales se enfrentan en las canciones del compositor, reflejando el enfrentamiento que estamos viendo en la pantalla. Ejemplos de esto son “Il triello” de Il buono, il brutto, il cattivo, y “Man with Harmonica” de C’era volta il West.

Si bien mi película favorita de Leone es Il buono, il brutto, il cattivo, no se puede negar la enorme calidad de esta cinta. Se trata de una película imperdible, que demuestra una vez más por qué este director es uno de los más grandes de la historia.

La serie en si no tiene un trama muy original. Se puede decir que gira en torno a un grupo de amigos, los cuales tienen distintas características y visiones de la vida. El primer capítulo de Skins no me llamó mucho la atención, ya que no se diferenciaba mucho de la idea que uno tiene acerca de las series de adolescentes. Pero a medida que fui viendo el resto de los episodios me fui enganchando más y más con los personajes. El punto más fuerte de la serie radica en eso, en la cercanía que uno siente con la historia de cada personaje. No importa lo diferentes que sean, uno siempre encuentra algún detalle que nos vincule con sus vivencias.

El guión también es bueno, ya que logra una fluidez en las relaciones de los personajes y los diálogos no suenan para nada forzados. Los temas que toca la serie son además muy variados, desde la homosexualidad hasta las drogas. Es bueno ver en una serie que las cosas no son perfectas, ya que al hacer eso se vuelven artificiales. Esto no significa que en Skins sólo haya drama, también hay escenas divertidas. Se logra un interesante equilibrio entre ambas, y uno nunca sabe qué va a pasar. Otra cosa que me llamó la atención fue la forma en que está filmada la serie. La fotografía y estética de Skins pueden hacer pensar que se trata de una película, ya que se no sigue el mismo formato que las series de adolescentes; no se conforma y trata de ir más allá.

Entre los actores hay algunos que trabajaron en cine. Dev Patel, por ejemplo, protagonizó Slumdog Millionaire, ganadora de ocho premios Óscar. También está Nicholas Hoult, quien actuó en About a Boy y The Weather Man. A pesar de que la mayoría de los actores no tenía mayor experiencia en series de televisión o películas, hacen un gran trabajo, ya que sus personajes resultan muy creíbles.

En definitiva, Skins es una gran serie, y a pesar de que sólo he visto sus dos primeras temporadas, estoy seguro de que si continúa por el mismo camino logrará muchas cosas. PD: En youtube están los episodios con subtítulos: link.