Glen Keane: Una vida dedicada a la animación

glen-keane-drawingEn estudios de animación tan grandes como Disney, donde en cada película participan docenas de artistas, es difícil que un animador destaque entre el resto. Salvo que ocupen un cargo importante como los directores, el resto de los animadores involucrados en el proyecto pasarán más o menos desapercibidos. A menos, claro, que se llamen Glen Keane. Si bien su nombre no aparece en los afiches de las películas en las que ha trabajado, y para encontrarlo en las páginas de IMDb hay que bucear en un listado enorme de artistas, Keane se ha ganado un puesto especial entre los aficionados a la animación gracias a su valiosa contribución al medio.

Su acercamiento a la animación tuvo partes iguales de casualidad y destino. Su padre es el caricaturista Bil Keane, creador de la famosa tira cómica The Family Circus. Al crecer en un ambiente donde el arte era parte fundamental del hogar, no es de extrañar que Glen Keane se haya interesado por el dibujo desde una temprana edad. De hecho, no fue el único que optó por ese camino, y actualmente su hermano Jeff está a cargo de dibujar la tira cómica que inició su padre en 1960. Cuando llegó el momento de decidir qué carrera estudiaría, Keane optó por entrar a la escuela de arte del Instituto de Artes de California. Sin embargo, su postulación se mezcló dentro del papeleo de la institución y fue matriculado por error en la carrera de animación. Aunque no era la opción que había escogido en un principio, Keane se interesó por el área y decidió continuar esa carrera.

El instituto, denominado informalmente CalArts, fue fundado por el propio Wal Disney como un centro educativo que se especializara en áreas ligadas a las artes visuales y la interpretación. El vínculo que tenía con Disney permitió que varios de los alumnos de animación terminaran trabajando en su estudio una vez que egresaban, siendo Keane uno de ellos (otros alumnos de CalArts que trabajaron en Disney son Tim Burton, John Lasseter, Brad Bird, Pete Docter y Henry Selick). Durante sus primeros años como animador, el artista trabajó en películas como The Rescuers (1977) y The Fox and the Hound (1981).

En Disney y otros estudios los animadores se dividen el trabajo por personajes o escenas determinadas. Así, por ejemplo, Keane estuvo a cargo de animar al oso que aparece en un enfrentamiento cerca del final de The Fox and the Hound. Esta manera de trabajar permite que la labor de un animador pueda ser diferenciada de la de otro, aunque hayan participado en la misma película, y es lo que ha permitido que el trabajo de Keane pueda ser destacado del resto de sus compañeros. Si uno examina la pelea del oso en la película recién mencionada, uno puede notar un cambio en el estilo respecto del resto de las escenas. No se trata solo por lo que se está mostrando, sino por la manera en que se muestra. La intensidad que Keane le otorga a la secuencia le da a estos minutos una energía que no vemos en el resto de la película, la que dicho sea de paso es bastante irregular. Pero el talento del animador no solo se puede ver en este tipo de momentos, ya que es capaz de crear otros más delicados, como en The Rescuers donde estuvo a cargo de animar a los personajes de Penny, una niña huérfana, y Bernard, un humilde ratón que intenta rescatarla.

La clave de su trabajo, según el propio Keane, consiste en crear personajes que se sientan reales, y no solo como simples dibujos. Conversando con verdaderas leyendas del estudio, como Eric Larson u Ollie Johnston, el animador aprendió a ver a los personajes como seres que existían incluso antes de ser dibujados. La labor del artista consistía entonces en descubrir la esencia de estos personajes, no en crearla. Cada boceto que hacía le indicaba si estaba cerca o no de alcanzar ese resultado.

Una de las personas que quedaron deslumbradas con su trabajo fue John Lasseter, quien entonces era un joven que estaba buscando su lugar dentro de la industria de la animación. Más allá de dibujar, lo que le interesaba a Lasseter eran los aspectos técnicos de este medio, y las posibilidades que entregaban las nuevas tecnologías. Los dos artistas colaboraron en un breve video de 30 segundos de duración protagonizado por el niño del cuento Where the Wild Things Are, el cual combinaba animación tradicional con herramientas digitales. Primero se usó un computador para crear de manera rudimentaria las formas que aparecerían en el cortometraje, como el protagonista, su perro, y los objetos de su pieza. Luego, Keane usaba esos elementos como guía para poder hacer sus dibujos sobre ellos. De esta manera, el resultado consistía en un dibujo animado que permitía movimientos de cámara más fluidos que los logrados a través de medios tradicionales, y con una perspectiva y profundidad pocas veces visto.

Pero aunque el experimento demostraba el potencial de estas nuevas herramientas en el campo de la animación, el estudio decidió no seguir explorando las posibilidades que entregaban, debido a razones económicas. Tras esta respuesta, Lasseter abandonó el estudio y se unió a una división de efectos digitales de Lucasfilm, que posteriormente se convertiría en lo que hoy conocemos como Pixar. Keane, por su parte, continuó trabajando para Disney, pero en su mente todavía estaba presente lo que aprendió en ese proyecto. Durante los años 80 los trabajos del estudio no estuvieron a la altura de los resultados económicos y de calidad a los que estaban acostumbrados en décadas pasadas.

Disney atravesaba por un periodo complicado, pero todo mejoraría en 1988 con el estreno de The Little Mermaid. La película es considerada el punto de partida del denominado “renacimiento” del estudio, ya que durante los siguientes años se crearon trabajos tan importantes como Beauty and the Beast (1991), Aladdin (1992), The Lion King (1994), Pocahontas (1995), The Hunchback of Notre Dame (1996), Hercules (1997), Mulan (1998) y Tarzan (1999), siendo Keane uno de los artistas que contribuyeron a esta nueva etapa. El éxito de estas películas se debió obviamente a un trabajo colaborativo de guionistas, directores, productores y otros artistas, pero el aporte de Keane es tan importante que no puede ser obviado. Estuvo, por ejemplo, a cargo de la animación de Ariel en The Little Mermaid, de la transformación de la Bestia en Beauty and the Beast, y le dio forma a los protagonistas de Aladdin y Pocahontas. En una de las escenas de Beauty and the Beast, donde los personajes principales bailan en un salón, se utiliza incluso la técnica que había desarrollado junto a John Lasseter años atrás, combinando animación tradicional con fondos diseñados a través de computadoras.

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En los años siguientes el trabajo de Keane estuvo más acotado debido a su edad. El año 2002 participó en la película Treasure Planet, que pese a ser un fracaso de taquilla y a no recibir una buena respuesta por parte de la crítica, sirvió para continuar explorando las posibilidades de mezclar la animación tradicional con la digital. Pero su proyecto más importante durante esta época fue Tangled (2010), en el que originalmente ocuparía el cargo de director. Sin embargo, debido a complicaciones de salud Keane debió ser reemplazado por Nathan Greno y Byron Howard. De todas maneras el animador aportó su valioso trabajo a la película, siendo el supervisor de animación de la protagonista, Rapunzel. Este fue un importante paso en su carrera, ya que se trata del primer largometraje completamente digital en el que ha participado. Fue tal el éxito de la cinta que algunos críticos se refieren a ella como el inicio de un segundo “renacimiento” del estudio, etapa que estaríamos viviendo actualmente con trabajos como Wreck-It Ralph (2012) y Frozen (2013).

Tras una larga carrera en el estudio de Mickey Mouse, Keane finalmente se despidió del lugar que lo vio crecer. El año 2012 presentó una carta de renuncia donde explicaba que su ciclo en el estudio había terminado, y que ahora debía explorar otras áreas. Una de las motivaciones de su partida es el deseo que tiene de trabajar de manera independiente, de una forma donde el resultado final no diluya su trabajo, sino que lo demuestre tal y como es. Es difícil lograr esto en un estudio tan grande como Disney, donde su estructura hace que el trabajo de un artista sea posteriormente revisado por otro, perdiendo poco a poco la impronta personal que tenía el dibujo original.

Pero, ¿por qué escribir este artículo? ¿Por qué ahora? Bueno, siempre es positivo reconocer el trabajo de una persona mientras está viva; no hay que esperar a que fallezcan para hablar sobre lo talentosos que eran. Pero en el caso de Glen Keane también se debe a algo que ocurrió este año, con el estreno de su cortometraje Duet. Se trata del primer trabajo en el que se desempeña como director, ocupando por fin ese foco de atención que le ha sido tan esquivo. El proyecto fue animado completamente por Keane, quien además lo hizo a una proporción de 60 imágenes por segundo, a diferencia de las 24 a la que tradicionalmente se ha realizado. De esta manera, tuvo que hacer más de 10.000 dibujos originales, todos por su cuenta.

Como sus bocetos no fueron limpiados por otras personas con posterioridad, los dibujos que vemos en el cortometraje muestran todos los trazos que hizo el artista sobre el papel, logrando ese resultado personal él que estaba buscando. Esto le otorga una apariencia natural a los dibujos, donde cada línea encapsula la intención que Keane desea transmitir. La calidad de la animación es resaltada también por una historia que no tiene diálogos, pero que puede ser comprendida sin problemas a través de las imágenes y la música que las acompaña.

El proyecto sirve como una continuación del interés que tiene Glen Keane por explorar las nuevas tecnologías. Los dibujos que hizo con lápiz y papel fueron tomados por un equipo de ingenieros de Google para crear un relato interactivo a través de los celulares. Bajando un reproductor especial, se puede ver el cortometraje a través de diversas perspectivas simplemente moviendo el teléfono, creando así una experiencia narrativa que queda en manos de cada uno. Se trata de una gran forma de unir arte y tecnología, aprovechando los beneficios de cada elemento para crear algo nuevo.

Y lo más importante es que Duet no solo constituye un cortometraje innovador, sino también la posibilidad de que Keane reciba finalmente el reconocimiento que merece. El trabajo fue preseleccionado junto a otros 9 cortometrajes animados para los próximos premios Óscar. El animador ha recibido galardones ligados al mundo de la animación, como los premios Annie, pero esta sería la primera vez que su trabajo sea reconocido de manera tan masiva. Si consideramos que su nombre no aparece en los afiches de las películas donde ha trabajado, este sería un enorme paso para Keane, y uno muy justo además.

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Un pensamiento en “Glen Keane: Una vida dedicada a la animación

  1. Sep. yo acabo de volver a investigar mucho de animacion (la conoci x primera vez por alla en 2011. cuando compre mi primera pc que soportaba mas de una ventana abierta de cualquier programa xD no como la vieja pc XD) Deje de investigar y aprender, por los videojuegos que podia jugar en la nueva pc. Y bueno volvi. Los juegos son una distraccion, aunque nos hagan feliz a corto plazo. esta bien jugarlos pero no abusar.
    Asique volviendo, vi esa animacion, y tambien descubri es uno de los mas nombrados glen keane, tambien eh leido que tiene una forma rara de animar, que no es uno de los mejores, aveces por mantener un dibujo [ key frame ] cambiaba la animacion o resultaba un poco rara. Pero bueno eso es lo que dicen, yo al no concoer tanto, para mi es asombroso lo que hace. y esa animacion DUET, simplemente wao. xD
    Tambien me eh preguntado y pensado eso de. Si trabajas para compañias tu nombre no va a destacar nunca, si eso es lo que quieres, el trabajo es entre todos, y solo quedan 3 nombres, La compañia, El nombre dela pelicula, y el del DIRECTOR.
    Por eso cada vez + , pienso que es mejor hacer tus propias animaciones o con pocas personas. y que se pueda ver todo tu esfuerzo a traves de la animacion, aunque dure 3 minutos.
    Suerte Mangerz.

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