Las mejores películas de 2016

ROONEY MARA stars in CAROL.

Aunque este 2016 pude reseñar menos películas que en años anteriores debido a mi trabajo, eso no me impidió ver obras de gran calidad que merece la pena destacar. Como ya es costumbre, la selección incluye veinte películas divididas en dos grupos, siendo el primero aquellas cintas que lograron estrenarse en cines chilenos durante el año recién pasado, mientras que el segundo reúne aquellos títulos que solo estuvieron disponibles a través de formatos caseros. El año original de cada película no necesariamente coincidirá con el año de esta selección, pero para términos de fechas soy más flexible y me baso en cuándo estuvieron disponibles para ser vistas por la mayoría de nosotros.

Algunas personas hacen estos listados en un orden creciente, dejando sus películas favoritas del año al final, pero yo prefiero prescindir de esa estrategia y opto por la transparencia, señalando de inmediato cuáles fueron las que me gustaron más.

Películas estrenadas en cines chilenos

  1. Carol

Una verdadera joya. Esta película de Todd Haynes, basada en la novela de Patricia Highsmith, no trata la homosexualidad de sus protagonistas como algo extraño ni como la característica definitoria de sus personajes, sino que tiene la suficiente confianza en ellas para mostrar sus matices y personalidades. La historia muestra obviamente las dificultades que tienen Carol y Therese de tener una relación de ese tipo en la época en la que transcurre la cinta, pero la visión del cineasta nunca las representa como bichos raros, sino que con una gran cuota de empatía. La melancólica fotografía de Edward Lachman posee una elegancia y precisión sorprendentes, y la banda sonora de Carter Burwell es tan evocadora que pienso en ella hasta el día de hoy.

  1. Arrival

Arrival es  una película de ciencia ficción donde los aspectos técnicos de la historia adquieren una gran importancia, los que en este caso dicen relación con los esfuerzos de una lingüista por descifrar el lenguaje de una raza de extraterrestres que acaba de llegar a la Tierra. Sin embargo, esto no da como resultado un relato frío e impersonal, todo lo contrario, ya que gracias a un poderoso componente emotivo la obra del canadiense Denis Villeneuve es capaz de resonar personalmente dentro del espectador. Ideas como la importancia de la comunicación y la colaboración entre diversas personas dan como resultado una película que promueve una visión optimista del mundo y del potencial del ser humano.

  1. The Witch

Todavía no puedo entender cómo este es el primer largometraje del director Robert Eggers. The Witch demuestra una seguridad en su visión que cineastas más experimentados desearían, gracias a una atmósfera efectiva, que tiende al incremento de la tensión más que a la creación de sustos específicos. De hecho, categorizarla solo como una película de terror sería una injusticia, ya que esta obra trasciende los límites de ese género y se convierte en algo más. Es la historia de una familia que al verse enfrentada ante la incertidumbre de lo desconocido, recurre al miedo y a la superstición para hacerle frente, lo que provoca su destrucción desde adentro.

  1. Kubo and the Two Strings

Poco a poco, Laika se ha ido instalando como uno de los mejores estudios de animación contemporáneos. Además de reflejar una gran destreza en el ámbito de la animación stop motion, sus películas poseen aquella conexión personal que hizo de Pixar lo que es hoy. En Kubo and the Two Strings, la épica aventura que emprende el protagonista es en realidad un viaje personal en el que debe lidiar con temas tan complejos como la pérdida de un ser querido y la necesidad de valerse por uno mismo. Una de las principales gracias del estudio es que no subestima la inteligencia del público infantil al que sus trabajos están dirigidos, sino que es capaz de transmitir ideas difíciles como las ya mencionadas con una claridad y sinceridad elogiables.

  1. Room

Debido a la oscuridad de su historia, esta película podría haber fracasado de tantas maneras que el hecho de que haya resultado es un mérito por sí solo. Pero la agregué a esta lista porque la cinta no se contenta solo con ser correcta, sino que aspira a algo más y lo logra. El director Lenny Abrahamson logra crear un relato tenso, donde sentimos el peligro al que están expuestos sus dos protagonistas, transmitiendo además un lado más optimista. Se alcanza una muy buena delimitación en su objeto, escogiendo cuidadosamente qué temas explorar y cuáles no, permitiendo que el foco no se centre tanto sobre los horrores sufridos por los personajes sino en la manera en que intentan superarlos.

  1. Neruda

Entre tanta película biografía excesivamente reverencial y poco arriesgada, es bueno ver cintas como Neruda, que intentan hacer algo novedoso. El director chileno Pablo Larraín se aleja del tono sombrío que ha caracterizado a su filmografía para probar algo más lúdico, irónico y distendido. En esta obra la figura de Pablo Neruda es mostrada de forma cercana, sin idealizarla, llegando incluso a burlarse de ciertos aspectos de su vida. La película entiende que es en las contradicciones y falencias de una persona donde vemos su verdadera esencia. La cinta además se permite entregar algunas reflexiones en torno a la identidad, gracias al personaje interpretado por Gael García Bernal, un detective cuya existencia en la película se encuentra íntimamente ligada a la del protagonista, creando una dependencia entre ambos.

  1. Anomalisa

Mientras algunos cineastas optan por lo convencional y por jugar a la segura, Charlie Kaufman siempre está intentando crear algo que salga de lo normal. En esta cinta dirigida junto a Duke Johnson, Kaufman opta por contar la historia a través de animación stop motion, una decisión que puede resultar extraña y hasta innecesaria, pero a medida que avanza el metraje se va justificando su razón de ser. La obra posee aquellos elementos que caracterizan al trabajo del director-guionista, como una narración con tintes metaficticios, elementos inusuales que rompen con la normalidad de las situaciones y una profunda melancolía. La atmósfera lograda por la película resalta los temas explorados y le entrega a Anomalisa un sello propio que la hace única.

  1. The Hateful Eight

Con esta película de Quentin Tarantino me pasó algo parecido a esa vez que reseñé The Grand Budapest Hotel (2014) de Wes Anderson. Ambas obras son ejemplos claros del estilo de sus respectivos directores, reflejando sus lugares comunes y marcas registradas, pero sin entregar algo demasiado original dentro de sus filmografías. Sin embargo, esa crítica no impide reconocer el talento de sus autores, quienes a pesar de lidiar con elementos ya vistos, los manejan con una habilidad impresionante. En el caso de Tarantino, su destreza al momento de generar tensión y hacerla estallar a través de una violencia brutal queda de manifiesto en este relato donde un grupo de desalmados se ven obligados a resguardarse de una tormenta de nieve en una posada en medio de la nada. A las virtudes de la película se suman además la inquietante banda sonora de Ennio Morricone y la entregada actuación de Jennifer Jason Leigh, que deja de lado la inocencia demostrada en Anomalisa para interpretar a un personaje salvajemente vil.

  1. Saul fia

Una obra opresiva, que no es fácil de ver, acerca de uno de los episodios más oscuros de la historia de la humanidad. Lo que en manos de otro cineasta podría haber resultado en una cinta tediosa, el director Lázló Nemez lo transforma en algo vibrante, lleno de una energía claustrofóbica. La forma en que es filmada le otorga una apariencia visceral, que nos pone en los zapatos del protagonista, y al mismo tiempo va difuminando aquello que ocurre a su alrededor. En una decisión artística acertada, la película recurre a indicios para sugerir los crímenes de los que es testigo el personaje principal, consciente de que a veces esta manera de contar las cosas resulta más potente que hacerlo de forma directa.

  1. Mustang

Así como su propia directora, Deniz Gamze Ergüven, nacida en Turquía pero que ha desempeñado su carrera mayoritariamente en Francia, la película Mustang tiene como elemento principal el multiculturalismo y el choque de diferentes costumbres. La cinta es un examen del fundamentalismo turco desde una perspectiva occidental, mostrando la experiencia de un grupo de hermanas que han debido crecer en un ambiente machita, donde su máximo objetivo consiste en buscar un buen marido. La forma en que es narrada la historia y la manera en que son construidos los personajes principales dan como resultado una obra dinámica, que lidia con algunos problemas actuales y que aún así se da el tiempo de entregar una cuota de esperanza.

Películas que todavía no llegan a cines chilenos (y probablemente no llegarán)

  1. World of Tomorrow

Entre todos estos largometrajes resulta raro ver un cortometraje animado de ciencia ficción que tiene una duración de solo 17 minutos, pero si hay algo que define al director Don Hertzfeldt es su esfuerzo por no contentarse con categorías arbitrarias e intentar superar los límites del medio en el que trabaja. World of Tomorrow es una cinta entretenida, creativa, sentimental, irónica, existencial y triste, acerca de una niña que conoce a su clon del futuro. Detrás de su simpleza se esconde una serie de ideas tan profundas como el paso del tiempo y la soledad, las que son transmitidas con un efectivo humor, lo que permite explorar temas áridos de manera abordable.

  1. The Lobster

Debido a su peculiar premisa y al tono que utiliza, la película The Lobster de Yorgos Lanthimos se ha transformado en una obra que divide a los espectadores. Yo fui de quienes lograron aceptar sus elementos más estrafalarios, ya que a través de ellos se crean metáforas que pueden ser aterrizadas a ideas más mundanas, como las relaciones de pareja y la soledad. Incluso el humor apagado de su director y la forma en que destaca lo absurdo funcionaron conmigo, aunque reconozco que a algunas personas no las conquistará. Su forma de ver el amor la relaciona con otras cintas románticas poco convencionales, como Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) o Blue Valentine (2010), con las que se puede hacer perfectamente un programa triple sobre obras donde se destaca el vínculo que existe entre amor y tragedia.

  1. Tangerine

“Atrevida” puede ser un adjetivo adecuado para describir esta película. En términos estilísticos, esto se puede notar en la decisión poco ortodoxa de filmarla con un iPhone, no con cámaras profesionales, lo que pone de manifiesto la facilidad de lograr un resultado de esta calidad técnica con una tecnología que está al alcance de un gran número de personas. Esta accesibilidad permite además que se puedan narrar historias que no necesariamente serán contadas por los grandes estudios, lo que en este caso corresponde a la experiencia de dos prostitutas transgénero de raza negra que viven en la ciudad de Los Ángeles. Además de una energía desbordante y una gran cuota de autenticidad, la cinta es capaz de ser emotiva sin caer en lo cursi.

  1. Midnight Special

En esta cinta de ciencia ficción las explicaciones y los diálogos expositivos son reemplazados por la ambigüedad y los misterios sin resolver. Lo que para ciertas personas puede resultar frustrante, es en realidad una estrategia del director Jeff Nichols que prefiere cautivar a la audiencia a través de lo enigmático, dejando que cada espectador vaya creando sus propias conclusiones, en vez de entregar una solución única y restrictiva. De esta manera, se opta por privilegiar las conexiones humanas más que las explicaciones científicas, dado que se trata de cuestiones que no siempre se pueden traducir en palabras. Esta es, en última instancia, una película que habla sobre la paternidad y la necesidad de aceptar con paz y no con frustración los efectos que surgen de ese vínculo.

  1. Hell or High Water

Un neo western que aprovecha la idiosincrasia del lugar donde está ambientada y de las personas que aparecen en ella para darle mayor riqueza a una historia que a priori parecía sencilla. Hell or High Water rechaza el maniqueísmo simplista y prefiere recurrir a la ambigüedad moral al momento de retratar a sus protagonistas, permitiendo que entendamos sus motivaciones y empatizar con las dificultades que deben enfrentar. El hecho de estar ambientada en la época contemporánea no es una mera anécdota, sino que ayuda a configurar la caracterización de los personajes y la complejidad de sus acciones. Aunque el robo de bancos es un delito ya clásico en los westerns, las implicancias no son las mismas el día de hoy.

  1. Ah-ga-ssi

El regreso del director surcoreano Park Chan-wook a su país natal. Ah-ga-ssi es una película que combina diferentes géneros y elementos para crear un resultado con identidad propia, narrando los planes de unos estafadores que tratan de hacerse con una cuantiosa fortuna, mostrando las traiciones y engaños que se producen entre ellos. En medio de todo esto está el romance que nace entre dos de los personajes, el que está cubierto de una constante sensación de incertidumbre, dado que sus protagonistas tratan de esconder sus verdaderas motivaciones. A diferencia de su famosa “trilogía de la venganza”, esta cinta posee un aire más optimista que el de aquellos trabajos, mostrando una nueva perspectiva del director que no conocíamos tan bien.

  1. 99 Homes

Mientras The Big Short (2015) recibió más elogios y nominaciones en la pasada temporada de premios, esta otra película acerca de la crisis hipotecaria estadounidense me pareció mucho más poderosa y efectiva. La cinta le otorga una importante dimensión humana a los problemas económicos mostrados en la pantalla, creando dilemas morales que resuenan aún después de que aparecen los créditos finales. La actuación de Michael Shannon es fascinante en la perversidad que refleja, desenvolviéndose como una fuerza de la naturaleza que se abre paso entre los demás personajes.

  1. Green Room

Tener una historia sencilla y personajes caracterizados de manera básica le juega a su favor a la película Green Room. Sin distracciones innecesarias, el enfoque del director Jeremy Saulnier se centra en la ejecución de la trama más que en el contenido de la misma. Basta saber que  una banda de punk rock se ve envuelta en un malentendido y es atacada por un grupo de violentos neo nazis para poner en movimiento el metraje, convirtiendo al relato en una experiencia cruda, donde la configuración espacial del recinto donde transcurre y las herramientas que están al alance de los personajes se transforman en factores que debemos tener muy en cuenta. No hace falta tener profundidad ni demasiada sustancia cuando el oficio que está detrás de la obra tiene tan buena calidad.

  1. Macbeth

El desafío que el director Justin Kurzel debía enfrentar no era sencillo, ya que Macbeth no solo es una obra de teatro famosa, que cuenta con una larga tradición intelectual y artística ligada a ella, sino que había sido adaptada anteriormente al cine por nombres de la talla de Welles, Kurosawa y Polanski. La estrategia del cineasta australiano consistió en desmarcarse de aquellas obras transmitiendo una visión propia, que pusiera el énfasis en ciertos aspectos del material original como la culpa que corroe a los protagonistas y la aflicción que los rodea. Si bien se requiere un conocimiento previo de la obra de teatro para poder apreciarla en su totalidad, aún así es una película de gran calidad.

  1. The End of the Tour

Basada en la entrevista que un reportero de la revista Rolling Stone tuvo con el escritor David Foster Wallace, The End of the Tour tiene como columna vertebral las interacciones entre ambos personajes, sin caer en sensacionalismos ni drama barato. A pesar del trágico desenlace del autor, la cinta no recurre a escenas proféticas acerca de su suicidio ni intenta simplificar las razones que lo llevaron a tomar esa decisión. Su foco más bien es de carácter cotidiano, prefiriendo la sobriedad e intimidad por sobre lo pirotécnico. Jason Segel, cuya carrera ha estado más ligada al área de la comedia, interpreta a Wallace de manera creíble, no como una imitación, sino que otorgándole una calidad humana que hace que el personaje resulte cercano.

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