Deadpool 2 (2018)

Deadpool_2-posterLa idea de crear una película de superhéroes para un público mayor, donde la violencia extrema y el humor negro fuesen utilizados como sus herramientas principales, no era del todo innovadora, dado que Matthew Vaughn ya lo había hecho cuando adaptó Kick-Ass (2010) a partir del cómic de Mark Millar. Sin embargo, esto no impidió que el estreno de Deadpool (2016) se sintiera como el intento de explorar un terreno poco conocido. El hecho de estar ambientada en un universo famoso, el mismo donde personajes tan reconocibles como los X-Men habitan, sumado a los niveles de demencia a lo que aspiraba la obra, hicieron que buscar el equilibrio preciso de su fórmula fuese un verdadero desafío.

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Avengers: Infinity War (2018)

Avengers_Infinity_War-posterLa primera gran hazaña de Marvel Studios fue utilizar personajes relativamente conocidos y convertirlos en nombres familiares incluso para aquellos que no leen cómics ni están interesados en superhéroes. A diferencia de su principal competencia, DC Comics, la editorial Marvel no contaba con figuras como Superman o Batman, que han formado parte fundamental de la cultura popular durante décadas. Si bien el Capitán América o Hulk eran conocidos hace 15 años, no lo eran al mismo nivel de esos otros personajes; fue gracias a su paso por el cine que adquirieron un nivel de popularidad similar al del panteón de DC. Y no solo eso, ya que las cintas creadas por el estudio demostraron que no bastaba con tener un material ampliamente conocido para alcanzar el éxito, algo que se nota al ver las dificultades que han tenido DC y Warner Bros. con su propio “universo extendido”.

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Thor: Ragnarok (2017)

Thor_Ragnarok-posterCasi dos décadas atrás, cuando el cine de superhéroes comenzaba a masificarse gracias a películas como X-Men (2000), las historias narradas en ellas presentaban algunos de esos elementos estrafalarios que caracterizan a los cómics, pero persistía una especie de inseguridad respecto de qué tan fieles podían ser al material original. Dado que la mayoría del público no iba a estar necesariamente familiarizado con ese tipo de relatos, existían ciertas dudas acerca del nivel de absurdo al que se podía llegar sin infringir la llamada suspensión de la incredulidad. En las cintas de los X-Men, por ejemplo, un elemento tan básico como el vestuario de los personajes fue adaptado de manera más sutil, alejándose de los coloridos trajes que ocupaban originalmente.

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Atomic Blonde (2017)

Atomic_Blonde-posterEl estreno de John Wick (2014) significó el debut de Chad Stahelski y David Leitch como directores de cine. Tras haber desarrollado una larga trayectoria como dobles de acrobacias, ambos sabían muy bien cuáles eran los aspectos técnicos en juego al momento de diseñar las secuencias de acción y especialmente las escenas de peleas. Este conocimiento fue complementado con un efectivo manejo de las herramientas audiovisuales que tenían a su alcance, así como con una historia sencilla pero rica en idiosincrasia y construcción del mundo en el que estaba ambientada. El éxito de la cinta los llevó a recorrer caminos separados, con Stahelski encargándose de la segunda parte de John Wick mientras que Leitch hizo Atomic Blonde (Atómica), una película de acción basada en la novela gráfica The Coldest City.

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Baby Driver (2017)

Baby_Driver-posterEl cine es, por definición, movimiento. Está ahí, en su propio nombre. Asociada a esa idea está la noción de ritmo, que combina elementos como la velocidad, frecuencia y orden de los acontecimientos. Todo esto es entendido muy bien por Baby Driver (Baby: El aprendiz del crimen), la nueva película del director británico Edgar Wright, cuya historia está íntimamente ligada a la idea de movimiento, ya que su protagonista es reconocido por su habilidad como conductor, ayudando a ladrones a escapar de la policía luego de cometer sus robos. El dinamismo de las situaciones narradas es replicado también por el estilo ocupado, lo que le otorga una fluidez y chispa importantes al relato.

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Dunkirk (2017)

dunkirk-posterA lo largo de su carrera, el director Christopher Nolan se ha dedicado a contar historias que van difuminando los límites entre realidad y ficción. Ya sea a través de las identidades ocultas de sus personajes, elaborados giros en las tramas, espejismos o revelaciones, sus películas muestran cómo las ilusiones pueden ir creando su propia realidad. En su anterior obra, Interstellar (2014), llegó incluso al punto de curvar las reglas de la realidad misma, con un relato que lidiaba con las posibilidades del espacio-tiempo en nuestro universo. Por eso, llama la atención que con su cinta más reciente, Dunkirk (Dunkerque), el cineasta haya decidido basarse en la realidad más que en modificarla, narrando un hecho que ocurrió de verdad, algo novedoso dentro de su filmografía.

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Kong: Skull Island (2017)

Kong_Skull_Island-posterLa película King Kong (1933) se estrenó en una época en la que el mundo permitía creer en la posibilidad de una isla donde animales gigantescos y prehistóricos pudiesen vivir.  Si bien los avances tecnológicos habían ayudado a entregar una idea más o menos acabada de lo que se puede encontrar en nuestro planeta, aún había rincones que no estaban del todo explorados, lo que daba pie a historias que se acercaban más al terreno de los mitos que de la ciencia. Por eso, al momento de hacer una versión nueva de aquel personaje, es necesario tener en cuenta el contexto en el que estará ambientada, con tal de que sea plausible la idea de descubrir un mundo perdido.

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